Du 7 au 29 juillet, se déploie le 63e Festival d’Avignon avec un visuel qui évoque tant des oiseaux de sang que des avions planant au-dessus de Gaza, du Liban ou d’ailleurs. Une édition placée sous le signe d’un monde marqué par les bouleversements, de la réflexion sur l’histoire contemporaine depuis plusieurs regards contemporains portés sur la tragédie grecque (Warlikovski, Jouanneau), jusqu’aux récentes révoltes en Grèce en serpentant par les différents conflits actuels.

Docu-fiction
Un théâtre qui nous ramène dans ce désir de vivre ensemble, de comprendre ce qui a déchiré les corps malmenés et torturés, les paroles étouffées et les non-dits qui corrompent les âmes. Pour un langage du présent, un langage partagé. De cette réflexion autour du témoignage et de l’écriture même, oscillant entre documentaire et autofiction, et prenant à rebours les clichés narratifs attendus, les propos de Dieudonné Niangouna, dramaturge, comédien et metteur en scène originaire du Congo-Brazzaville portent la trace. En prélude à ses Inepties volantes, qui ouvre notamment sur l’année 1997 avec un pays en pleine guerre civile, naufrageant ses populations, il écrit : « moi je voulais photographier le cœur de la bête, l’instant crucial où je mourrais à chaque fois sans disserter autour ni grapher une légende en bas de la toile, quelque chose de sans esprit, quelque chose de sans étude, une java de tableaux sauvages balancés à je ne sais combien d’images par seconde, rien que ce que mes yeux ont bu, et heureusement que ma mémoire pas certaine justifie sa parano, ce qui fait que la vérité ou le mensonge dans cette histoire j’sais pas où ça pionce, et suis content que ça ne tienne pas comme un document. Suis même pas vrai, comment voulez-vous que mon histoire le soit ? »

Après avoir mis à contribution notamment des fous de maquettes ferroviaires (Mnemopark) et des enfants d’expatriés étudiant dans des écoles internationales romandes (Airport Kids), le metteur en scène suisse Stefan Kaegi (voir entretien) s’est rendu au Caire afin de concevoir Radio Muezzin. Il y rencontre des muezzins, tous d’origine populaire sauf un, sorte de business muezzin. À travers leurs témoignages, comme dans ses précédentes créations, se dessine une mondialisation à rebours de certains archétypes sur l’uniformisation des pratiques culturelles et leur caractère générique, bien que se dessine dans la capitale égyptienne la volonté de « remplacer la polyphonie des appels à la prière par un appel radio commun », souligne Vincent Baudriller. Quatre se retrouvent sur le plateau. « Ils racontent leur vie, leur questionnement en rapport avec leur travail, la religion. Ils abordent aussi une dimension sociale par le biais de cette question de la mutation technologique en œuvre au Caire qui risque de les mettre au chômage. Ce qui donne une vision humaine, sensible d’une religion souvent mal comprise ou caricaturée en Europe occidentale. »
Une démarche qui s’inscrit parfaitement dans les horizons socio-politiques helvétiques agitées par « l’initiative anti-minarets » lancée par l’UDC. Rappelons ici que pour l’UDC, il s’agit de combattre les minarets en tant que symbole de domination, et non de contester le principe de la liberté religieuse aux quelques 350’000 musulmans de Suisse. Une initiative, qui sera par ailleurs difficile à concrétiser, celle-ci violant plusieurs droits fondamentaux ancrés dans la constitution et les conventions internationales. À mi-corps entre théâtre documentaire et fiction, Stefan Kaegi travaille au sein d’un groupe berlinois, qui suscite des pièces documentaires axées sur le concept d’« experts de tous les jours ». Ce terme désigne des anonymes qui ont une spécialité. Le protocole de création est censé les préserver de la spectacularisation et ils peuvent possiblement refuser des actions scéniques.

Des témoins ordinaires, du chorégraphe Rachid Ouramdane aborde la torture. Ses interprètes viennent d’un ailleurs. Du point de vue géopolitique, mais aussi humain. Ils ont subi la torture, ils ont assisté à une défiguration de l’humanité. La torture touche l’être humain au cœur de ses rapports avec lui-même. La violence étend son empire sur le corps souffrant, prend littéralement possession de lui. C’est ce corps qui cause son supplice, l’ennemi intime est aussi à l’intérieur de soi-même. Le supplice scinde l’être en deux, le corps de la victime devient malgré lui le complice de la torture. Existe-t-il un après corps à la torture, pour surmonter ou non la honte et l’impuissance de la victime ? À ces témoins sur le chemin d’une problématique résilience, Ouramdane a demandé d’évoquer leur difficulté depuis, à renouer avec le monde. « Faire le portrait de gens qui ont connu la torture, c’est tenter de représenter l’inmontrable, écrit le chorégraphe. C’est chercher une forme pour témoigner de ce mouvement de recul devant l’humanité. C’est tenter de saisir l’imaginaire de ceux qui ont traversé ces atrocités, pour que cette expérience ne demeure pas silencieuse. C’est aussi faire le constat de la répétition des violences de l’histoire quand, aujourd’hui, la torture semble tolérée, voire légitimée, au sein même de nos démocraties. » Rachid Ouramdane travaille à partir de matériaux documentaires, jouant sur les images et les signes. Mais ses réalisations scéniques s’éloignent souvent de tout réalisme pour se couler dans des cérémoniels désensablant des mémoires trop longtemps tues.

Gros plan sur plusieurs démarches artistiques avec Vincent Baudriller, co-directeur du Festival.

Pourquoi ce mouvement pour évoquer un univers balafré par l’histoire et les crises ?
Vincent Baudriller : À mon sens, le point d’origine de chaque édition est constitué par la rencontre, se déroulant bien en amont, avec l’artiste associé. S’il ne signe pas la programmation, nous essayons, Hortense Archambault et moi-même, de regarder le monde et ses inépuisables sources d’interrogations à travers sa fenêtre, pour reprendre l’image que nous a soufflée Wajdi Mouawad. Ce moment initial délie une partie des territoires artistiques parcourus. En étant proche des questionnements de Mouawad, artiste intimement lié à l’histoire à travers son propre parcours. Il est né au Liban, y a connu la guerre, puis l’exil avec ses parents partis pour la France avant de rejoindre le Québec. Il y a dans ce mouvement quelque chose qui raconte beaucoup de la planète sur laquelle nous vivons, ses tensions, quelles soient géopolitiques, économiques, identitaires, mémorielles ou sociales. Mouawad utilise le théâtre, la narration, afin d’y semer une vraie inquiétude tirant son origine dans notre monde et permettant ainsi de l’affronter.
On retrouve au cœur de la programmation, des artistes en prise avec le monde, travaillés par l’envie de le questionner. Beaucoup le font à travers des récits tendant vers la fiction, mais aussi en direction du documentaire pour être en prise plus directe avec le réel. Des questions récurrentes portant sur la mémoire, les drames, guerres et violences, intimes ou publiques. Des sujets qui sont au chœur du théâtre et de ses expressions depuis ses origines.

Une autre dimension est abordée, celle de l’identité.
Nombre d’auteurs et de metteurs en scène prennent la parole d’où ils sont, avec leur propre histoire. Le cinéaste Amos Gitai insuffle de la dérision dans les scènes les plus dramatiques en abordant la complexité de l’identité israélienne aujourd’hui alors que Dieudonné Niangouna, à travers son récit, Les Inepties volantes, s’interroge sur un épisode marquant le début de sa vie d’homme, les émeutes ayant au lieu au Congo-Brazzaville en avril 1997. Il doit s’enfuir de cette cité, échapper aux milices et aux barrages. Il s’interroge alors : « Pourquoi suis-je encore vivant ? », écrit-il en substance au cœur d’un texte intensément puissant et poétique. En compagnonnage avec Pascal Contet, un musicien français travaillant souvent à l’accordéon – instrument fraternel – pour des chorégraphes, il a refait son périple et son parcours d’alors, sa traque et son refuge précaire dans une forêt où il s’est caché.
Autre exemple avec un auteur malgache, Jean-Luc Raharimanana, romancier qui signe aussi des documentaires, dont Nour, 1947, un récit aux multiples voix et au large écho en France, sur la révolte de 1947, et sa répression par l’armée française restée largement tabou. Ecrasés sous le poids de la colonisation, des insurgés attaquent l’administration et la population françaises de l’île, provoquant en représailles l’un des bains de sang les plus importants du colonialisme français. Des massacres et des exactions en nombre, des fusillades sans fin et des exécutions sommaires. Thierry Bedard a commandé à Raharimanana un état du monde vu de Madagascar.

Pour Wajdi Mouawad, il s’agit de recherche des origines, de filiation, d’identité des figures sans cesse retournées de l’exil. On sait qu’il souhaite monter dans son théâtre l’intégrale des tragédies de Sophocle en une nuit. Pour Avignon, il propose la tétralogie, formée de Littoral, Incendies, Forêts et Ciels. Que retenez-vous du travail de Mouawad comme dramaturge et metteur en scène notamment ?
À mes yeux, ce qui s’affirme avec Mouawad, c’est la nécessité d’être dans la durée abordant l’un des axes principaux de la programmation festivalière qui se cristallise autour de la notion de narration interrogée selon des formes très différentes au fil des propositions artistiques. Les trois premières pièces résonnent entre elles dans leur dimension formelle, épique et narrative. Ces grandes épopées où les enfants sont à la recherche de leur père. Que cela soit dans un pays en guerre ou à travers l’histoire européenne du XXe siècle pour Forêts. Regrouper les pièces en trilogie est une façon de mettre au jour de manière encore plus forte les échos et les passerelles tissées entre ces œuvres. Dans un souffle qui est celui du grand récit. Certes, nous ne sommes pas dans l’envoûtement des Mille et une nuits, mais cette dimension de l’oralité du diseur, cet art du conteur à raconter des histoires au fil d’une nuit. Un projet démesuré qui a trouvé sa juste destination et adresse en la Cour d’honneur du Palais des papes afin de convier les spectateurs à cette grande traversée. Qui met en relief les préoccupations communes et les leitmotivs des trois pièces, ceux de ces enfants en quête de géniteur, d’une mémoire pour se construire et être de nos jours.
Séparé dans l’espace et le temps, Ciels forme, dans la scénographie, l’écriture et le sujet un authentique contrepoint, une réaction aux trois autres pièces. Il s’agit ainsi de pères tuant leurs fils en se faisant la guerre. Nous sommes sans doute dans un geste théâtral moins épique mais en prise avec la réalité où le public sera au cœur du dispositif scénographique.

Amos Gitai propose un spectacle total avec Jeanne Moreau, qui a joué dans ces derniers opus. Une création d’où le cinéma n’est pas absent.
Ce geste artistique pose d’abord la question du récit, du récit historique. Je crois que cette question du récit, de la narration et aussi de l’émotion traverse l’ensemble du Festival. Nous nous sommes interrogés sur les liens aujourd’hui entre le théâtre et ces formes là, alors que le cinéma (mais aussi la politique ou le marketing) les ont récupérées avec beaucoup d’efficacité.
C’est pour cela que nous proposerons cet été un vrai dialogue entre théâtre et cinéma pour les spectateurs, avec des cinéastes qui feront des spectacle (Gitai, Honoré…), des metteurs en scène qui montreront leur films (Leon, Lauwers…) et bien d’autres cinéastes du Québec et du Proche Orient présents avec le cinéma Utopia.
Pour le cinéaste israélien Amos Gitai, la rencontre se fait autour de la mise en scène d’un texte du Ier siècle après J.-C dû à Flavius Josèphe et racontant la conquête de la Judée par l’Empire romain (La Guerre des fils de la lumière contre les fils des ténèbres d’après La Guerre des Juifs de Josèphe). C’est l’histoire vue par le prisme des vaincus, Josèphe étant l’un des leaders des forces juives ayant résisté aux légions de l’Empire romain. Après sa reddition, il part pour Rome, devenant l’un des protégés de l’Empereur. Pour la première fois, l’histoire est narrée par un vaincu, même si ce dernier a trahi. Il existe ici des éléments très singuliers du récit par rapport à l’histoire et à la mémoire. Ce projet est en rapport dynamique avec l’œuvre de Gitai ne cessant d’interroger la complexité de l’identité israélienne. Que cela soit sous un angle historique, de conflit guerrier (Kedma, Kippour), ou religieux (Kaddosh). La distribution compte des acteurs parlant yiddish, hébreu, arabe, peut-être turc et grec aussi, ce qui élargit la question posée par Josèphe. Comment un Empire dominant parvient-il à faire exploser une société de l’intérieur, comme ce fut le cas de la Judée à l’époque ? Ces interrogations sont récurrentes, éternelles, même si les rôles peuvent changer au gré de l’Histoire.

Les films de Christophe Honoré sont d’une beauté formelle à couper le souffle atteignant, par instants, de vrais instants de grâce. Curieux cinéaste qui empoigne un mélodrame à la sauce Renaissance.
C’est aussi un artiste polyvalent (écrivain, journaliste, cinéphile, cinéaste), qui va au fond des choses dans ses livres et ses films, dont Ma mère d’après Georges Bataille. On peut pointer dans son travail, outre un renouveau de la Nouvelle Vague, une interrogation pertinente sur les relations humaines, amoureuses, au cœur de la jeunesse, le rapport d’autorité des hommes sur les femmes, au plan intime comme politique et économique.
En compagnie de l’actrice Clotilde Hesme qui avait joué dans Les Chansons d’amour soulignant à l’écran avec grâce des moments de questionnement et de doute autour du deuil, s’est cristallisée une envie de théâtre, peut-être afin de retrouver davantage de liberté dans la mise en scène, plus contrainte au cinéma, dans son rapport au réel. Et d’aller plus loin dans son rapport aux acteurs et à leur mise en jeu. Puisqu’il vient de s’intéresser à la Princesse de Clèves qu’il a adaptée pour le grand écran (La Belle personne), le choix d’un drame romantique s’est imposé de manière presque organique. Angelo, tyran de Padoue de Victor Hugo explore le rapport d’un despote à sa maîtresse qui aime ailleurs, un autre homme, Rodolfo, lui-même amoureux de l’épouse du tyran. Œuvre à la fois romantique et mélodramatique, elle n’en continue pas moins de s’intéresser à cette question des rapports entre les sexes en lien avec le pouvoir, la séduction. On reste dans les sujets de prédilection d’Honoré qui revisite un drame romantique à sa manière contemporaine et avec toute la liberté que lui permet son rapport au cinéma.

L’ancien directeur du Shauspielhaus de Zurich et metteur en scène suisse Christoph Marthaler, futur artiste associé aux côtés de l’écrivain français Olivier Cadiot pour l’édition 2010 du Festival, présente Butzbach-le-gros, une colonie durable. Après notamment Groundings, visible en 2004 à Avignon, retraçant les instants amers de l’économie suisse. Du drame de Swissair à l’effondrement de la Bourse : la scène se fait, une fois encore, le miroir décalé de la réalité.
J’aime la capacité de Christoph Marthaler à inventer un langage étonnant qui ne tient qu’à lui. Il parvient à toucher de manière éminemment poétique et sensible la question de l’être ensemble. Cela vient sans doute de la manière de travailler de ce musicien de formation qui passe beaucoup par la musique, la chanson. Il y a quelque chose de l’humanité avec un ton souvent drôle, décalé, critique qui sourd sur les plateaux de Marthaler et me bouleverse profondément. Ou comment mettre au jour cette fragilité, ce désespoir de l’humaine nature, afin de nous permettre de l’affronter.
Pour cette cité de Butzbach-le-gros, il a imaginé avec sa scénariste et complice artistique Anna Viebrock, un espace non théâtral incroyable, tel que recréé sur un plateau, souvent une maison, un intérieur. D’où l’idée d’une immense demeure et plusieurs familles qui vont y vivre, s’espionner dans une société de surveillance où l’on ne cesse de s’épier les uns les autres.
Si Christoph Marthaler a été choisi avec Olivier Cadiot, qui a une écriture éminemment musicale, c’est pour, là aussi, aller à un autre endroit du théâtre autant dans la forme que dans le fond. Et de mettre en lumière les questions que le théâtre peut poser aux spectateurs. Deux démarches profondément singulières pour porter un regard de guingois, souvent à l’ironie mordante, sur le monde dans lequel nous sommes.

Propos recueillis par Bertrand Tappolet

Festival d’Avignon.
www.festival-avignon.com